Una grande notizia: Autodesk Smoke, uno dei fratelli minori di Inferno, esce in versione MacOs, prima era disponibile solo per linux su macchine tarate apposta.

Capisco che Autodesk crea un po’ di confusione con tutti i nomi dei prodotti e che è difficile capire esattamente le caratteristiche e differenze tra ii software, ma per tua conoscenza ti dico che Smoke contiene tutti gli strumenti per quali Autodesk (discreet) e diventata famosa con il suo Flame.
L’intefaccia è la stessa, contiene gli stessi pluripremiati tracker, keyer, color warper, deformazioni bicubiche, importazione dei ogetti 3d ecc.
Dunque è un software che apre la strada verso Flame che ha semplicementi gli strumenti in più, ma imparato Smoke uno riesce a passare immediatamente a Flame o Inferno dovendo soltanto studiare strumenti in più, come particellare 3d, batch procedural compositing, 3D camera tracking ecc.

Qui è riportata la notizia: http://www.fxguide.com/qt/1700/smoke-on-mac-yes-its-for-real

Uno dei più bei video di MK12, pensate che se non mi sbaglio è del 2000. Realizzato quasi interamente con After Effects è stato una pietra miliare della motion graphics.

A Piramide Channel, una bella iniziativa di Tino Franco ed altri professioni nel settore filmmaking, venerdì si terra la proiezione del film di fantascienza a low budget “Apollo 54″ di Giordano Giulivi, consiglio a tutti di partecipare a questo incontro per comprendere come si possano realizzare dei film anche avendo dei budget limitati.

Venerdi a Piramide Channel via Campo Boario 4a (di fronte alla Piramide Cestia)

Apollo 54 di Giordano Giulivi

anno di produzione: 2007 durata: 98’

Immaginate di stare passeggiando in campagna. A un tratto in una radura trovate un cavo, piuttosto spesso e robusto, solidamente ancorato al terreno, che sale fino a perdita d’occhio. Sembra incredibile, eppure siete i primi a scoprirlo. E il cavo riserverà molte sorprese.

E’ l’idea decisamente originale alla base di Apollo 54, una commedia di fantascienza realizzata in Italia, a basso budget…

prodotto da: Duccio Giulivi, Giordano Giulivi, Luca Silvani e Silvano Bertolin

Soggetto: Duccio Giulivi, Giordano Giulivi, Luca Silvani e Silvano Bertolin

Sceneggiatura: Duccio Giulivi, Giordano Giulivi, Luca Silvani e Silvano Bertolin

Musiche: Duccio Giulivi

Copyright MMVII The 54 Production

http://www.apollo54.com/

PIRAMIDE CHANNEL è la prima televisione che puoi vedere solo al cinema, è un nuovo modo di fruire lo spettacolo televisivo, non in maniera privata e solitaria, contro lo streaming video, le icone e le miniature, propone lo spettacolo televisivo indipendente sul grande schermo, condiviso insieme agli altri, come agli albori della televisione.

Nelle serate sono presentati cortometraggi, documentari, animazioni, tutte le durate del film, arte in video e videoarte, ospitando e dibattendo con autori emergenti e non.

PIRAMIDE CHANNEL è un idea di alberto d’amico e tino franco prodotta dallo Studio Campo Boario

Le regole basilari

Ad essere sinceri, definire delle regole in una disciplina che è un’arte non ha molto senso, ma diciamo che queste regole sono adatte per i meno esperti. Se un soggetto esce a destra dalla vostra inquadratura, ricordatevi di farlo entrare a sinistra in quella successiva. Stessa cosa con sopra-sotto, sinistra-destra obliquo ecc. Se non rispettate la regola lo spettatore ha l’impressione che il soggetto abbia cambiato direzione.

Esempio: Avete una scena di uno sciatore che esce dal quadro a destra e la montate con un’altra in contro campo che entra sempre da destra. Provate ad immaginarvi la scena vi sembrerà che lo sciatore abbia nel frattempo fatto un cambio di direzione.

Nella magia del montaggio potete far credere che due tizi parlino fra loro, anteponendo il P.P di uno, con quello dell’altro. Il trucchetto funziona solo se uno è rivolto a destra e l’altro a sinistra ed è importante anche dove quardano (se uno dei due quarda un po’ più verso l’altro e l’altro un po’ più verso il basso va bene, altrimenti vi siete fregati e lo spettatore capisce il trucco.

Analizziamo ora il caso di dover montare dei quadri che non appartengono alla stessa scena, ma a sequenze diverse o addirittura a parti diverse del vostro film. Ad esempio un viaggio in cui dovete unire la parte relativa alla partenza, con le scene di ambientamento dove si descrive il luogo di destinazione. In questi casi un ottimo aiuto ci viene utilizzando una dissolvenza in chiusura sul nero e successiva dissolvenza in apertura, ma esiste un’altra possibilità molto efficace che va sotto il nome di “Montaggio Discontinuo”. Questo studio fu fatto da tre padri del montaggio che definirono 4 possibili attacchi tra due quadri. Per dovere di cronaca si tratta di Ejzenstejn, Pudovking e Timoscenko:

1. Anologia di forma e contenuto.
2. Analogia di forma e contrasto di contenuto.
3. Contrasto di forma e analogia di contenuto.
4. Contrasto di forma e contenuto.

Per analogia di forma potete immaginare due oggetti che in qualche modo si somigliano, ade esempio avete terminato di riprendere la penna di un soggetto che stava scrivendo e passate al pennello di un pittore che sta facendo un ritratto.

Per contrasto tutto quello che ovviamente porta lo spettatore quasi a sorprendersi della differenza tra le due sequenze, come ad esempio avete terminato di riprendere una romantica scena sul mare notturno con il P.P. di un piede che cammina sul bagnasciuga e collegate un P.P. di una scarpa alla moda che si agita ritmicamente al suono assordante della discoteca; in questo caso siamo al contrasto di forma (piede e scarpa alla moda) e contrasto di contenuto (il mare di notte in silenzio e il fragore e le luci della discoteca).

Nel montaggio di quadri o scene appartenenti ad una stessa sequenza, c’è un modo di operare in cui si interrompe la ripresa mantenendo la telecamera su cavalletto e si spostano i soggetti ed il risultato finale è l’apparizione e/o scomparsa di soggetti.
Questo tipo di montaggio, che per la cronaca si chiama: “Montaggio Nascosto” ed è stato inventato da quel genio di Méliès, è stato molto utilizzato nel cinema come semplice trucco di magia e probabilmente anche voi lo avete molto utilizzato. Tuttavia mi permetto di segnalarlo per estendere il suo utilizzo al di la di semplice trucco di magia, cioè per far comparire o scomparire i vostri soggetti.
Riprendendo ad esempio un orologio con le lancette che improvvisamente cambiano posizione (magari utilizzando una rapida dissolvenza per ammorbidire il passaggio) oppure un posacenere che improvvisamente da vuoto si fa pieno di “cicche” suggeriscono allo spettatore che il tempo sia passato senza allungare inutilmente il “tempo cinematografico”.

Gli errori di continuità

Tra i peggiori e più evidenti errori sintattici che si possono trovare nei nostri video, ma anche in quelli fatti dai professionisti, ci sono sicuramente quelli definiti come “Errori di continuità”. In sostanza si verificano quando risulta evidente una incongruenza temporale, formale o altro tra un quadro (o una scena) e la successiva. Purtroppo la maggior parte di questi errori si verifica durante le riprese e quindi in fase di montaggio è impossibile rimediare se non rimuovendo in maniera drastica le scene incriminate.

Facciamo un esempio: immaginiamo il caso classico in cui vogliamo montare alcuni quadri composti da persone e/o cose, non nello stesso ordine cronologico con cui le abbiamo registrate, per particolari esigenze narrative. A dire il vero questa situazione capita spessissimo, e gli errori più frequenti si verificano perché ad esempio un soggetto fuma e la lunghezza della sigaretta appare all’inizio lunga poi corta, poi un po’ più lunga ecc., tradendo il susseguirsi temporale della scena. Oppure più evidente il soggetto si è nel frattempo cambiato un indumento, sciolto i capelli, spostato un elemento del suo vestiario ecc..

Per esempio negli “Gli intoccabili” con Sean Connery in cui il protagonista che parlava con un interlocutore con cui si alternavano i quadri, appariva con il colletto della camicia allacciato, poi slacciato, poi nuovamente allacciato e questo parecchie volte nella stessa scena.

Come creare un morph tra immagini utilizzando Apple Motion.

Parliamo di Thomas Wilfred ( 1889 – 1968), un pioniere nello sviluppo di quello che lui chiamava Lumia, o l’arte della luce. In After Effects, a partire dalla versione 3.1  è possibile sincronizzare qualsiasi parametro con qualsiasi altro parametro, quindi una serie di effetti audio può essere legato alla proprietà grafiche per creare musica visiva. La Visual music ha una lunga storia in molti  media come film e animazioni astratte, giochi di luce, CGI, videoinstallazioni, ecc. L’ Abstract animation non è solo piacere per gli occhi, ma spesso sono tentativi di comunicare o di stimolare la sinestesia o stati mistici. Il termine motion graphics sembra essere stato coniato o almeno reso popolare dal visual music artist John Whitney, che ha aperto la strada utilizzando le telecamere di controllo del movimento nel 1960,  con la sua azienda Motion Graphics, Inc. ( alcuni dei suoi film).

In aggiunta al Center for Visual Music, un’altra risorsa specifica per la musica visiva è The iotaCenter. Inoltre degno di nota è l’opera di William Moritz, che fu instancabile nel documentare primi lavori di artisti di animazione astratta in CalArts  e registi come Oscar Fischinger.

No, it’s not another post on Picasso’s Light Graffiti, but a nice write up by Trish & Chris Meyer on Thomas Wilfred (left, 1889 – 1968), a pioneer in developing what he called Lumia, or the art of light. They’ve got specific background on Wilfred, including some movies.The Lumia is in the class of devices called color organs. For some additional details see the AEP’s Visual music and motion graphics. Here’s an excerpt:In After Effects, since version 3.1 and the defunct Motion Math, you can synchronize any parameter with any other parameter, so a range of audio effects can be tied to graphic properties to create visual music.Visual music has a long history in media like color organs, film and abstract animation, light shows, CGI, installation art, and even cave art. Abstract animation is not just eye candy, but often attempts to communicate or stimulate synesthesia or mystical states. While forecasts for an expanded or synaesthetic cinema (PDF) haven’t quite come to fruition, motion graphics seems to have been coined or at least popularized by visual music artist John Whitney, who pioneered motion control cameras and the slit scan technique — and in 1960 named his company Motion Graphics, Inc. SIGGRAPH has a peek at some of his movies.

In addition to the Center for Visual Music, another specific resource for visual music is The iotaCenter. Also noteworthy is the work of William Moritz, who was tireless in documenting early work by abstract animation artists at CalArts and elsewhere and filmmakers like Oscar Fischinger. The Moritz article “Abstract Film and Color Music” in the book The Spiritual In Art: Abstract Painting 1890-1985 (documenting an LA museum show) is quite good. Online, there’s a good roundup of color organs and such in Colour and Sound: Visual Music by Maura McDonnell.

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Un corto dell’orrore interessante per alcune soluzione stilistiche, quali musica e montaggio.

Cast: Medi Broekman, Nasrdin Dchar, Déna Massque & Sergec GeworkanDirector: Shariff NasrScript: TerenceExecutive producer: Arno van RossumProducers: Floor Schroeijers & Robbert BruijsDOP: Bas AndriesGaffer: Martin RoozeboomSound design: Michaël Sauvage

Ecco un’altra serie di tuturial su Motion 4 nei quali imparerete a mettere le luci, creare un compositing in 3d e ad organizzare i livelli.

Guinness lancia il suo spot  più ambizioso. In un parallelo con il modo in cui una pinta di Guinness viene creata, lo spot  visualizza un gruppo di uomini che  portano “un mondo alla vita”. Per questa sfida estrema il  direttore Johnny Green ha reclutato una squadra d’elite tra cui i Premi  Oscar Grant Major (scenografo) e Wally Pfisher (direttore della fotografia).

In questo tutorial vedrete come utilizzare i replicator particellari e linkarli ad un oggetto per ottenere effetti impensabili.

Spot Coca Cola Happines factory con il making of e i relativi processi produttivi.

Un buon tutorial per capire l’effetto Multi Pass utilizzando Fusion5.

Come è possibile riprodurre la color correction di Sin City e alcuni effetti ? Scopritelo in questo breve filmato.

Interessante vedere come hanno fatto una parte degli effetti speciali di 2012, non vi pare ?

Ecco due splendidi tutorial su Apple Color, per vedere le più avanzate tecniche di color correction.

Un thriller presentato al Sundance festival del 2004 di Ayz Waraich.

Interessante questa nuova web tv che si occupa di motiongraphics, da vedere almeno una volta…Keyframe TV è un nuovo “show podcast” che analizzerà il web e la TV alla ricerca di notizie sulla motion graphics e sull’ animazione. Keyframe è ospitato da Tim Allen, Nick Campbell, e Pasquale D’Silva.

Creare degli edifici in 3d senza software 3d ? E’ possibile utilizzando Apple Motion 4, come dimostra questo tutorial.

La Autodesk realizza un workshop gratuito sulla produzione digitale utilizzando il software Flame e le telecamere Sony. forse vale la pena dare un’occhiata al sito ed andare a vederlo, visto che lo fanno anche a Roma. E già che ci siete date uno sguardo a questo sito per junior digital artist.

Il miglior sistema per cominciare è “copiare” e per copiare vi suggerisco di andarvi a vedere il lavoro dei grandi professionisti (Kubrick su tutti), oppure sui clip musicali o ancora meglio sui Trailers dei film.

Ritengo che la difficoltà nel montaggio sia molto simile a quella dello scrivere un testo. Chi scrive un testo effettua un paziente lavoro di “montaggio” per cercare di dare all’intero documento una leggibilità adeguata. Toglie gli errori,  elimina le parti non importanti, “monta” insieme parti del testo omogenee. Se fosse stato un video sarebbe cambiato lo strumento ma il lavoro sarebbe stato il medesimo. L’unica cosa che su un testo potete fare in fase di montaggio che nei video non è possibile  è quello di eliminare gli errori. Questo è il motivo per cui vi ho “stessato” sulle riprese. Se le vostre riprese sono zeppe di errori di inquadratura, o di altro, probabilmente non c’è nulla da fare.

In letteratura ci sono vari modi di suddividere questi “oggetti” che compongono il filmato.

Un modo potrebbe essere questo:

· Quadro: riproduce una singola azione. Al quadro si può far corrispondere la frase di un testo.

· Scena: è l’insieme di più quadri che riescono a descrivere completamente un’azione. Alla scena si può far corrispondere il periodo di un testo.

· Sequenza: è l’insieme di più scene e quindi più azioni che, nella loro successione logica, formano un episodio. L’episodio lo possiamo considerare un paragrafo.

· Parte: è l’insieme di più Sequenze, che raccontano una piccola storia di senso compiuto. Può essere considerata il capitolo di un testo.

Detto ciò si può partire nella realizzazione di un video.

Occorre suddividere il film e/o video che volete realizzare, in parti, in modo da dover gestire un limitato numero di sequenze (o addirittura quadri) che avete precedentemente acquisito con il vostro PC. Avere un limitato numero di “spezzoni” del vostro video, è più conveniente dal punto di vista dell’economia di pensiero; cioè trovare (mentalmente) i corretti quadri da legare insieme è molto più facile, che ricordarsi tutte le scene del vostro video. Bisogna riguardare più volte gli “spezzoni”acquisiti, in modo da memorizzare tutti i quadri.

Facciamo un esempio “classico”, cioè la gita al mare con cui tornerete a casa pieni di riprese inguardabili.

Una prima suddivisione potrebbe essere questa:

1. Fasi della partenza ed arrivo a destinazione

2. Fasi riguardanti la permanenza

3. Ritorno a casa.

Ovviamente la fase 2 si suddividerà in 2a, 2b etc.

Concentriamoci ora sulla fase 1:

Parte 1: Viaggio

Questa parte potrà (ad esempio) essere formata da 3 sequenze:

1. Sequenza in cui vengono fatti i preparativi, caricata la macchina e auto che si allontana.

2. Sequenza in cui ci saranno riprese con macchina in movimento, che sono le classiche riprese di collegamento.

3. Sequenza di arrivo. Io qui scendo sempre prima degli altri cercando di convincere lo stanco conducente di aspettarmi mentre io piazzo la telecamera e riprendo l’auto che arriva. Questa sequenza è composta quindi dalla scena in cui la macchina arriva, dalla scena in cui la gente scende, dalla scena in cui le persone si guardano intorno.

Adesso proviamo a  scegliere i singoli quadri per comporre una scena di senso compiuto.

Possiamo correttamente riprendere l’esempio di vostra moglie al mare, per dimostrare quanto in una scena così banale, il montaggio sia essenziale.

Descriviamo la scena a parole:

Luca comincia a piangere e questo da lo start all’azione.

“Genoveffa  guarda in direzione di Luca, si alza ruotando su se stessa per girarsi in direzione della cabina e comincia a camminare in quella direzione. La sabbia scotta è il suo camminare è po’ buffo, poi raggiunge la cabina e scompare all’interno per ricomparire qualche istante dopo con il biberon di camomilla, ripercorrendo lo stesso tratto in senso inverso.”

Quanto appena descritto è composto da due periodi e da più frasi. Mantenendo il parallelo sopra descritto possiamo quindi parlare di una sequenza, composta da due scene e una decina di quadri. E voi dove state? Semplice siete seduti sulla sdraio, avete la telecamera tra le mani, siete senza cavalletto  e avete ripreso tutta la sequenza stando comodamente seduti.

Risultato?

Nella migliore delle ipotesi, la vostra ripresa sarà durata almeno un minuto e mezzo. Un minuto e mezzo sono un’eternità in campo cinematografico.

Soluzione:

- Vendere la telecamera

- Cambiare angolo di ripresa

Cambiare angolo di ripresa è la soluzione più corretta per poter montare i singoli quadri, senza dar luogo a quei “salti” temporali improponibili.

In fase di montaggio non potete certo tagliare dei pezzi di ripresa, altrimenti la vostra Genoveffa sembra scomparire e riapparire improvvisamente più avanti. Certo potreste mettere delle riprese in mezzo (ad esempio di Luca che guarda verso la madre, o riprese generiche come panoramiche), ma con queste potete guadagnare molto poco in tempo, perché avendo tutte le inquadrature di Genoveffa dalla stessa posizione, per continuità temporale lo spettatore non accetterebbe comunque un salto temporale eccessivo tra la vostra amata Genoveffa, Luca ed ancora Genoveffa.

Quindi una soluzione potrebbe essere:

Genoveffa guarda in direzione di Luca

si alza ruotando su se stessa per girarsi in direzione della cabina

comincia a camminare in quella direzione.

La sabbia scotta è il suo camminare è po’ buffo

raggiunge la cabina

scompare all’interno

per ricomparire qualche istante dopo con il biberon di camomilla

ripercorrendo lo stesso tratto in senso inverso

Note

1) potrebbe servire un P.P. di Genoveffa per evidenziare la sua lieve preoccupazione sul fatto che Luca ha sete.

2) potrebbe essere un P.A. (piano americano) e magari diviso in due quadri

3) un C.L. (campo lungo) riprendendo Genoeffa da dietro.

4) controcampo dalla cabina, con Genoeffa che sta arrivando

5) forse fusa con la 4

6) di spalle a Genoveffa

7) prima se è disponibile un P.M. di Luca che guarda in direzione della madre.

Alcuni quadri potrebbero durare pochissimi secondi, tanto che nonostante gli 8 quadri, la sequenza completa potrebbe durare anche solo mezzo minuto, contro il minuto e mezzo di una sequenza “pallosa” sia per la lunghezza, che per il fatto che l’inquadratura è rimasta sempre la stessa.

Quello che è insito nell’arte del montaggio è riprodurre il processo mentale che il nostro cervello fa continuamente quando dai nostri occhi gli arrivano le immagini che ci circondano. Il montaggio effettivo, rispetto a quello mentale ha un punto di forza in più: oltre a cambiare angolo di ripresa (punto di vista), si può cambiare anche la posizione della telecamera, mentre normalmente noi possiamo solo girare la testa.